古典时期钢琴音乐情绪浅析
来源：网络 时间：2022-03-19
1、古典的定义
所谓“古典的”，准确地说，是指古希腊和古罗马时期，那是西方文明两个伟大的时期。多少个世纪过去了，人们依然在企图借鉴那个时代的精华。一直到十八世纪中叶新发掘出来的古希腊和南部意大利的神庙又真正开始重视“古典”。
2、古典主义的定义
“古典主义”是一个不明确的词义，它有几种不同而又相关的含义。一种很不恰当的用法是将它认为成流行音乐以外的音乐，包括所有种类的严肃音乐，不管它是何时创作的以及为什么目的而写的。而此处我们所指“古典主义”的是大约1750年开始至1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。
由于优秀的古代文化的影响，人们常将“古典”一词视为杰出的、卓越的含义。不论是一首诗，还是一辆汽车，如果说是“古典的”，那就意味着它是此类中的佼佼者。人们也往往倾向于把某个图案设计称之为“古典”，意味着这个比率保持了自然的平衡，并无奇特或标新立异，而是遵循规范的原则。
正由于信奉这种“适当的比率”和“自然平衡”的原则，使得古典时期的音乐风格迥异于其他时期。实际上这一时期的作曲家在考虑音乐结构时都遵循这一基本概念：一种调性间平衡的概念，使听众明确的感觉到这段音乐是如何进行；并且因为段落之间的平衡，听众在聆听一首乐曲时能准确地知道紧接着出现的内容是什么。作曲家只是对这个作曲系统和轮廓加以变化，而不是积极地创作出乐曲来使听众着迷或感到不可思议。
或者我们可以说在音乐创作上不存在所谓“古典时期”，而可以把其称为“古典风格”。按照这种风格，海顿、莫扎特和贝多芬写出了他们的名作。但是这种风格并非仅仅出现于他们三人的作品中，这个时期的其他作曲家的创根基本上也是这种风格。
3、古典时期后的过渡风格
在巴洛克时期和古典时期之间，还有一些短暂的过渡阶段。其中之一是洛可可（Rococo），就像音乐史学者给巴洛克取名一样，是按照其风格而取名的。这一名称原是艺术史学者专门用来指17世纪末18世纪初法国的装饰性艺术的。这一时期的法国建筑中，巴洛克式的雄伟、严峻的风格分解或者柔化。由此发展出一种新颖的、优美的、富有想象力的风格。像所有的法国文化及趣味一样，这种风格也迅速传遍欧洲，在德国南部及奥地利特别流行。
另一类是华丽风格。在音乐上它首先有流畅的旋律，并且摒弃了复杂的和声对位手法；其旋律听来极为清晰，通常用通奏低音演奏固定的音型或者很慢地进行。华丽风格的乐曲最理想的表演媒介是人声，作曲家通常把乐句分得简洁而又规律，使用问答式进行，歌者的声音较为朦胧但却极富感情。另一种流行的表演媒介是长笛，人们特别欣赏它那优雅而温和的色彩。华丽风格也指舞蹈节奏的使用，巴赫等人在他们的键盘乐组曲中采用的外加乐章之一，即称为“华丽曲”；它意味着常常使用一些固定的、短小的旋律乐句，一如姿态优雅的鞠躬和礼仪。
4、古典钢琴作品的触键与其情绪
海顿、莫扎特、贝多芬三位大师，先后以维也纳为生活、创作的中心地，他们之间有着内在的深刻继承关系，共同对欧洲音乐史产生了久远的影响。音乐中的“古典主义”一般以维也纳古典派的主题创作特征为标志，在作品中追求三大要素的平衡，即：通俗的音乐语言、严谨的音乐结构、深刻的音乐内容。古典钢琴作品的音色与作品的韵味、意境、情绪密切相关，无论是强烈或暗淡、明亮或轻盈，又都与作品的结构密不可分。
同时，弹奏钢琴需要身体各部位的协调运动来完成。有的作曲家的作品依靠手指的快速跑动来完成，这种方法奏出的音色晶莹纯净，颗粒清晰；有的不仅使用手指，还特别注意使用手臂，乃至躯干自然施加的下沉重量触键，即所谓的重量弹奏法，这种奏法适宜弹奏明亮坚实、浑厚辉煌的作品；而弹奏古典钢琴作品只需要手指结合手臂的自然重量即可，躯干与大臂过分的动作都会改变应有的声音。
不同触键方式会产生不同的音色，用指尖顶端触键，发出的声音透明单薄；用手指指面多肉部位触键发出的声音柔和丰满。古典钢琴作品的音色和情绪变化丰富，要求演奏者不断改变手指触键的部位，透明圆润的声音要使用指尖顶端的部位，而柔和深沉的音色应使用靠近指面的部位；不同的力度要求应选用不同的手指触键高度，一般来讲，手指较高的触键法声音洪亮，较低的触键法声音轻柔。古典钢琴作品大多以低高度触键为主，为了获得某种特定的音色，弹奏是需要多方面因素结合，触键时掌关节、腕关节与肘部乃至肩部的灵活放松、协调配合也是十分重要的。同时，为了弹奏出古典钢琴作品轻巧明快、纯净亮丽的音色，还要有明确的触键落点，落点并非只在琴键的底部，各个深度都可以产生不同的力度层次，落点的深浅要视具体作品、具体乐段和具体乐句的要求而定。
5、结语
总之，不同的时代产生不同的音乐作品内容，不同的作曲家因其所属的时代不同创作出来的作品也各有不同，这就要求我们，在弹奏不同的钢琴作品时，要先对其所处的时期和作品的情绪有个大致的了结，这样才能更好的弹奏出原汁原味的作品。
